♪ Zvuk orchestru mezi klasicismem a romantismem ♪
Tato digitální výstava je součástí cyklu „Místa hudby“. Vydáme se v ní na cestu hudební historií a budeme sledovat vývoj v průběhu 200 let, které spojují klasicismus s modernismem. Jak se měnil hudební vkus, jak se měnily nástroje – a co k tomu lze objevit v dolnorakouských sbírkách?
Klasika: Co je to?
Začátek epochy klasické hudby se datuje přibližně do roku 1730. Spadá do období politických a společenských změn. Byla ovlivněna myšlenkami osvícenství, francouzskou a průmyslovou revolucí i válečnými konflikty té doby, kvůli kterým museli dřívější hlavní mecenáši umění, šlechtici, začít šetřit. Velké orchestry, které byly běžné v baroku, se tak zmenšovaly až do podoby vídeňské dvorní hudby v letech ještě nejisté vlády mladé Marie Terezie (1717–1780).
V hudbě se rodí nová estetika jednoduchosti: Záměrně – jako protiklad patetického, umělého a přetíženého stylu opulentního baroka – je do popředí kladena melodie a odpadá doprovod basso continuo, tedy průběžné doplnění číslovaného neboli generálního basu. Harmonický rytmus se zjednodušuje na periodickou strukturu čtyř nebo osmi taktů a v kompozičním uspořádání dominují kadence.
To, co je dnes většinou známé jako klasicismus, bylo také nazýváno galantním nebo citlivým obdobím. Galantní styl je opakem pravidlům podřízeného kontrapunktického stylu, protože je založen na volném stylu psaní. Označení „galantní“ znamená lehký, ladný a volný, protože styl je charakterizován důrazem na melodii, použitím hudebních ornamentů a tanečním pocitem. Citlivý styl je expresivní a pracuje s efekty, jako jsou dynamické rozdíly a překvapení.
Vlivem zmenšování orchestrů se skladatelé začínají zaměřovat na komorní hudbu. Nejoblíbenějším žánrem je smyčcové kvarteto. Zejména smyčcová kvarteta Josepha Haydna (1732–1809) jsou typická pro styl vídeňské klasiky (cca 1770–1830), který se vyznačuje jednoduchostí, zároveň náročným motivickým zpracováním, a usiluje o všeobecnou srozumitelnost.
Pro zvuk orchestru klasické symfonie je stylově určující takzvaná Mannheimská škola (1743–1778), přičemž za rozhodujícího inovátora je považován koncertní mistr a pozdější kapelník Johann Wenzel Anton Stamitz (1717–1757). V orchestru jsou nejdůležitějšími žánry symfonie a instrumentální koncert. Primát melodie nyní nahrazuje princip generálního basu. Jednoduchá symetrie taktového rozdělení vytváří přirozenost, ale v expresivní struktuře témat lze najít barokní stylové prvky, jako jsou například vzdechové figury a zdůraznění předzvěstí. Témata jsou složena z malých motivů a jsou obměňována.
Kontrastní efekty v hudbě, jako jsou protikladná témata v hlavní sonátové formě a přímo na sebe navazující efekty hlasitosti a ticha v dynamice, jsou velkou novinkou. Efekty jako crescendo, tedy pomalé zvyšování hlasitosti, generální pauzy a ornamenty jako mordent, rychlá změna z hlavní noty na nižší malou sekundu a zpět, jsou známé jako „mannheimské manýry“ a lze je slyšet v kompozicích jako například Sinfonia a 8 v Es dur od Johanna Stamitze. V symfonickém orchestru se emancipuje sekce dřevěných dechových nástrojů a s klarinetem přichází nový nástroj.
Kolem roku 1800 nesmí ve Vídni a jejím okolí chybět hudba ani při promenádních procházkách: U takzvaných hůlkových fléten je do vycházkové hůlky zabudována zobcová flétna, takže je možné kdykoli zahrát jakoukoli melodii.
Pro vzdělané vrstvy obyvatelstva patří v této době domácí hudba a hudební vzdělání ke každodenní realitě, díky čemuž se harmonium stává nanejvýš oblíbeným nástrojem. Tyto domácí varhany se používají k hraní v soukromých domech střední třídy, v salónních orchestrech nebo k doprovodu náboženských písní.
Na přelomu raného romantismu se díky Franzi Schubertovi (1797–1828) stala populární nová forma zpěvu – na rozdíl od opery s rozlišením mezi recitativem a árií: píseň. Tento žánr ztělesňuje ideály romantismu, vyjadřuje přirozenost a jednoduchost, a jeho obsahem je prožívání přírody a pocitů. V této době také dochází k významné změně perspektivy, která má dopad až do dnešní doby. Hudba již není považována pouze za čisté řemeslo; umělci jsou povýšeni na piedestal a někteří jsou dokonce prohlášeni za geniální.
Romantický styl (cca 1800–1910) je charakterizován hlavní kategorií „neukojitelná touha“ a objevuje nové možnosti formy a harmonie. Hudební žánry jsou obohacovány o cizí prvky. Patří sem například revoluční použití sboru Ludwigem van Beethovenem (1770–1827) v jeho slavné Deváté symfonii, protože se jednalo o žánr, který byl dosud čistě instrumentální, nebo také rozšířená harmonie, jak ji najdeme zejména u Richarda Wagnera (1813–1883). Jeho čtyřhlas, známý jako „Tristanův akord“, boří dosavadní tradici, vědomě pracuje s disonancemi, vytváří tázavý zvukový kolor a zesiluje tak pocity touhy a nejistoty.
V tomto bodě vidíme rozhodující krok směrem k atonalitě v hudbě a také k narativnosti: Umělci hledají širší souvislosti a expresivní význam, z čehož vzniká programová hudba; hudba reaguje na vlivy literatury a výtvarného umění té doby.
Národní romantismus jako politické hnutí ovlivnil také historii hudby. Představa národa jako společenství v historii a tradici se projevuje v typických motivech, například v „Maďarských rapsodiích“ Frédérica Chopina (1810–1849). K tomuto vývoji patří také symfonie ruské skladatelské skupiny „Mocná hrstka“ (také „Pětka“, "Ruská pětka", založená v roce 1862). Její členové, mezi nimiž byli Modest Musorgskij (1839–1881) a Nikolaj Rimskij-Korsakov (1844–1908), začleňovali lidovou hudbu do symfonické hudby. Symfonická báseň „Finlandia“ Jeana Sibelia (1865–1957) se dokonce stala symbolem finské svobody a nezávislosti a skladatel se ujal role vůdčí postavy samostatného státu.
Další novinkou je návrat ke „starým“ technikám: historismus stojí proti dřívějšímu provádění výhradně současné hudby a ohlížení se za starými skladbami. Výjimečné je přitom znovuobjevení a nové uvedení „Matoušových pašijí“ od Johanna Sebastiana Bacha (složené v roce 1727) Felixem Mendelssohnem-Bartholdym (1809–1847).
Myšlenka vývoje je důležitá pro práci s motivy. Tak je číslovaná opera, řetězení hudebních úseků, jako jsou árie, sbory nebo instrumentální skladby, spojené recitativy a mluvenými texty, nyní nahrazována celistvými kompozicemi. Nekonečná melodie se skládá z leitmotivů pro osoby nebo předměty a obsahuje filozofický smysl pro mýty z minulosti. Orchestr nese děj v hudebním dramatu Richarda Wagnera, které již není označováno jako opera.
V období romantismu se orchestr rozšiřuje díky zpřístupnění koncertů široké veřejnosti: Hudební spolky nahrazují salónní koncerty, a tak se hudba a diskuse o hudbě stávají dostupnějšími v recenzích a časopisech.
Rozhodující pro návrat symfonie jsou monumentální, prostorová a polyfonní díla Antona Brucknera (1824–1896) a Johannese Brahmse (1833–1897) s jejich odvážnou harmonií, tématy
a motivy z elementárních intervalů, které zcela odpovídají romantickému ideálu přirozenosti. Tři témata nyní nahrazují tematickou dualitu vídeňské klasiky. Motivační prvky jsou často na začátku prezentovány na smyčcovém tremolu, takzvaném „Urnebel“ (původní mlha) – například sólový lesní roh na začátku Brucknerovy čtvrté symfonie, která nese podtitul „Romantická“. Až do doby Gustava Mahlera (1860–1911) se žánr rozšiřuje s ambicí zachytit doslova celý svět, tedy používat i prvky triviální hudby nebo zvuky přírody, což nakonec vede ke spojení písně a symfonie.
Orchestr je vylepšován díky konstrukčním změnám nástrojů, kterými se snaží vyhovět požadavkům romantických skladatelů: U příčné flétny se vnitřní vrtání stává válcovým, trubice je vyrobena z kovu a je vybavena více klapkami, čímž byla umožněna chromatika, rychlé změny tónů a zlepšení intonace. Podobně i klarinet má více klapek a standardem se stává pevné tropické dřevo grenadill. Vynález ventilů umožňuje chromatickou hru na žesťové nástroje, jako je trubka a lesní roh. U smyčcových nástrojů mění zvuk ocelové struny namísto strun ze střev. V klavírním stavitelství se černé klávesy vyměňují za bílé a technika kladívka nahrazuje techniku trsátka u cembala. U bicích nástrojů se kromě bicí soupravy používá mnoho perkusních nástrojů pro efekty, ale také tyčové nástroje a idiofony.
Vývoj hudby od klasicismu k romantismu, tedy období trvající téměř dvě století (cca 1730–1919), jasně ukazuje vliv politiky a společnosti na hudební styl a další vývoj orchestrálního doprovodu. Témata, která hýbala tehdejší společností, jsou zachycena a odrážejí se v hudbě. Tento vývoj ovlivňuje moderní hudbu a je pocitově i zvukově patrný až do současnosti.
Text: Sophie Schrenk
♪ MÍSTA HUDBY ♪
OBJEVTE NAŠE: DIGITÁLNÍ VÝSTAVY!